展示無料開催中

PAVILION

Name: PAVILION
Start: 2026-07-24
End: 2026-08-22
Location: ホリアートスペース

無料 · Jongno-gu ホリアートスペース

期間: 7月24日 ~ 8月22日
会場: ホリアートスペース
地域: Seoul Jongno-gu
料金: 無料
問い合わせ: 02-511-5482

公式サイトルート案内

イベント紹介

ソン・ハヨン個展 SONG HAYOUNG SOLO EXHIBITION 境界からパビリオンへ (From Boundary To Pavilion) 展示場をひとつの構造物として、壁も屋根も定まらないまま決められた期間存在するために建てられる仮設構造物として想像してみます。一時的でありながら今この瞬間の密度を選んだ建築物、パビリオン。今回の新作はソン・ハヨン作家の言葉通り「パビリオンが持つモジュール性と一時性、層位、そして内と外が互いにつながる開放的な構造から出発」します。作家は絵画もまたそのように存在できると語っているかのようです。作家は展示が開かれている間、決められた結論として固まるよりも、観覧者の感覚と思索が普段とは異なる方法で動く場となることを願っています。その開放的な構造をなすものは、彼女が持続的に探求している命題、「境界(boundary)」です。作家は列車の逆向きの座席に座り、すでに過ぎ去った風景と向き合うように、この「境界」を特別な場所ではなく、主に移動中に捉えます。時差を置いて注視した風景は、方向と速度によって異なって感じられます。建物の外壁、ガラス窓の反射、工事現場の仮設構造物、古い表面に残った時間の痕跡がそのようにすれ違いながら目に入ってきます。彼女にとってこれらの瞬間は固定された風景というより、時間と方向、表面と痕跡、光と反射が重なり合う状態に近いです。彼女が都市で捉えるものは特定の場所や場面というより、その中で感覚が現れては消え、再び痕跡として残る過程そのものです。このように捉えられる境界は多様な表情を含んでいます。道路の線、構造物の角のように明確に分かれる地点があるかと思えば、光と影のように徐々に重なり合う場所、色が少しずつ異なる色へと変化する瞬間のようにはっきりと分かれることと出会うことが同時に起こる地点もあります。前者が都市の人工的で秩序ある境界であるならば、後者は自然が持つ流動的で感覚的な境界です。画面の上でこの境界はそれぞれ異なる方法で翻訳されます。明確な境界は線で、染み込む境界は面と面が押し引きしながら交差し、その上に光がふと結ばれたり視線が止まる場所には点が置かれます。結局、境界とは何かを分ける線である前に、互いに異なるものが向き合い関係を結ぶ接点であるということが、彼女の作業を導いてきた中核です。分けられていなければ、最初から出会うこともなかったでしょう。分離は関係の欠如ではなく、関係が成立するための前提です。彼女が画面に移すものは目の前の風景そのものというより、その風景の中にありながらも滅多に表に現れない速度と距離感、温度と感情の層位に近いです。作家は目に見える場面をそのまま移す代わりに、その中に隠された不可視的な感覚と知覚の領域を色面と構造という言語に翻訳します。この命題は十数年にわたり、いくつかの作業を通じて現れました。2010年代前半、作家は円形フレームや木製家具の上に人物や事物のイメージを描き入れる方法で作業を開始しました。《Hot Place》(2013)の円形フレーム、《Time to leave》(2014)のベンチやテーブルの上に置かれた叙事的な場面には、まだ概念より物語やオブジェへの関心が色濃く残っていました。物語を削ぎ落とす過程で作家が次に注目したものは、オブジェの上の叙事ではなく、その叙事を盛り込んでいた枠そのものでした。2017年頃から画面は急激に節制され、パレットは青色と無彩色に狭められます。《Boundary》(2017)のダイヤモンドキャンバス、浮遊する四角形が置かれた画面は、キャンバスの形態自体を境界の問題として扱い始めたことを示しています。平面絵画を長く扱う中で、作家には自然と「絵画の表面はどこまで拡張できるのか」という問いがついて回りました。境界を固定された線ではなく流動する関係として見るならば、絵画の表面もまた2次元に閉じ込められず、周辺の空間とともに動くことができるという考えに至りました。この発想は2020年、絵画をキャンバスの外へと押し出します。《隙(間で輝いていたものたち)》(2020)のネオン照明、《Beyond the times》(2020)では単色パネルとタイルの破片が空間に寄り添って立ちます。光と反射、動き、その前を過ぎる観覧者の位置のような条件が作品の中へと押し寄せ、絵画は毎回異なって反応する構造へと変貌しました。見る角度や姿勢、身体の位置が変わるたびに印象が変わること、そしてその変化自体を作業の一部として受け入れようとする考えがこの時期を貫いています。絵画が抱くことのできる幅を再び測り直そうとする試みに近かったのです。作家は2022年以降、小さな単位が集まってひとつの全体をなすモジュール形式を探求し、彩度の高い色彩を選択します。《収縮と膨張》(2022)のように壁に沿ってリボンのようにつながるかと思えば、《Reassemblage》(2023)の幾何学的な小片がグリッドで繰り返されます。グリッドの上に繰り返されていた小片が作り出す光の残像と動きは、作家の関心を構造自体からその構造が作り出す光の現象へと移させます。2024年には光が暗喩を脱ぎ、直接的な形態で描かれます。《Flare & Highlight》(2024)の収束する白い三角形、モーターで実際に動くキャンバスを具現化した最近作《Sequence: Overlay》(2025)まで、多様な媒体と構成を通じて絵画の表面がどこまで拡張できるかを実験しました。これらすべての拡張の裏には、むしろ節制に向かう態度が位置しています。建築や音楽、都市の場面、同時代のスピード感のような異質な場面を作業のあちこちに混在させていますが、それらの場面が画面の上にそのまま現れるわけではありません。作業はシンプルで節制された色面抽象の形態で残ります。作業の実行に先立ち、概念と構造をまず打ち立てようとする作家の態度がこの過程を導きます。体化された幾重もの感覚が少数の色と面、構造へと圧縮されるとき、それが観る者にどのように伝わるか、この問いこそが彼女が画面の前で最も長く留まる地点です。レイヤーを重ねる時間もまた、その節制を身体で覚える修行に近いです。色が定まり筆が動き始めると、繰り返される行為の中で雑念なく画面に留まることになります。均一なリズムで筆を滑らせていく間、画面の中には色の深みと密度、そして目指していた質感が徐々に積み重なっていきます。今回の展示は、これらすべての実験を経て、壁の前に立った観覧者と向き合う絵画の最も古い条件への復帰です。この回帰はこれまで積み重ねてきた問いを最も精製された形式で現します。新作において色は目立って減りました。黄色系の作業は開放と通過の感覚に近いです。光と信号、換気を同時に抱いた黄色は、組み合わせと配置によって温度と密度を異にします。オレンジ系ではその感覚が一層圧縮され、物性を帯びた状態として現れます。温かくも強い密度で画面の中の緊張と構造をより鮮明に示します。これらの色は日常で向き合う感覚、都市の表面、揺れる境界、そして同時代のリズムから汲み上げたものです。色を決めるのに一定のルールはありません。ただその色が他の色の隣に置かれたとき、どのような温度と密度、緊張が生まれるのかを画面の中で絶えず見つめ直す時間があるだけです。その過程は結局、境界をひとつの結論として規定せず、絶えず新しく拡張していこうとする態度と変わりありません。ここにパールとシルバーが混ざった面が加わることで、正面からはひとつの色に見えていたものが位置を少し移動するだけで異なる温度で迫ってきます。幾重ものキャンバスが積み重なって作る物理的な高低差も同じ論理です。層は物理的な厚みというより、色と構造が幾重にも蓄積される方式であると同時に、絵画が空間の方へ伸びていくもうひとつの条件です。展示場の構成もまた以前より節制されています。アルミニウムプロファイルやモーターのような装置で作品を壁から引き離し、空間を積極的に引き入れた以前の展示とは異なり、今回はキャンバスが壁に掛けられ、観覧者が正面に立つという絵画の最も伝統的な方式を選びました。しかし、このシンプルさは空虚ではありません。限られた色と要素の中で色面と線がつくるバランスと緊張は、むしろより繊細に調律されています。作業は近くで、横から、そして再び遠くから見ることを提案します。近づくと色面と色面が出会う高低差、表面に染みた密度、光の方向によって入れ替わる色の印象が目に入ってきます。離れると、その個別的な感覚がひとつの構造とリズムへと統合される瞬間が訪れます。画面はどのひとつの時点でも完結せず、観覧者の位置と動きによって変化し続けます。展示が終われば、この仮設構造物は痕跡なく解体されます。ただ、しばらくの間、色と面の間で開かれていた感覚は、それぞれのやり方で持続していくことでしょう。