展覽免費進行中

PAVILION

Name: PAVILION
Start: 2026-07-24
End: 2026-08-22
Location: Hori Art Space

免費 · Jongno-gu Hori Art Space

日期: 7月24日 ~ 8月22日
場地: Hori Art Space
地區: Seoul Jongno-gu
費用: 免費
查詢: 02-511-5482

官方網站交通方式

活動介紹

宋夏英個人展 SONG HAYOUNG SOLO EXHIBITION 從邊界到展亭（From Boundary To Pavilion）嘗試將展覽場想像成一個結構物，在牆壁與屋頂皆未決定的狀態下，為了存在於既定期間內而搭建的臨時結構物。雖然是臨時的，但選擇了此時此刻密度的建築物——展亭（Pavilion）。這次的新作如宋夏英作家所述，「從展亭所擁有的模組性、臨時性、層次，以及內外相互連接的開放性結構出發」。作家似乎在訴說著繪畫亦能如此存在。作家希望在展覽舉辦期間，展覽不要凝固成既定的結論，而是能成為觀展者的感官與思考以不同於以往的方式運作的場合。構成該開放性結構的是他持續探討的主題——「邊界（boundary）」。作家就像坐在火車的反向座位上迎面面對已經駛過的風景一樣，通常是在移動中捕捉到這個「邊界」，而非將其視為特定場所。帶著時間差凝視的風景，根據方向與速度感覺有所不同。建築物的外牆、玻璃窗的反射、施工現場的臨時結構物、留存在古老表面的時間痕跡，就這樣擦身而過映入眼簾。對他而言，這些瞬間比起固定的風景，更接近時間與方向、表面與痕跡、光線與反射重疊的狀態。他在城市中捕捉到的與其說是特定的場所或場面，不如說是感官在其中顯現後消失、再次化為痕跡留存的過程本身。如此被捕捉到的邊界包含著多元的表情。有像道路的線、結構物的角落般清晰劃分的點，也有像光與影般漸漸重疊的位置，或是色彩一點一點轉變成其他顏色時劃分與相遇同時發生的點。若前者是城市人工且有秩序的邊界，後者則是自然所拥有的流動且具感官性的邊界。在畫面之上，這個邊界以各式各樣的方式被翻譯。清晰的邊界化為線，滲透的邊界則由面與面推拉交錯，在其之上光線短暫凝結或視線停留之處則放置了點。歸根結底，邊界在作為劃分某物的線之前，更是不同事物面對面並建立關係的交點，這是引導他工作的核心。如果沒有被劃分，當初就不可能相遇。分離不是關係的缺乏，而是關係成立的前提。他轉移到畫面上的與其說是眼前的風景本身，不如說更接近身處該風景中卻極少顯露的速度與距離感、溫度與感情的層次。作家並未原封不動地轉移肉眼可見的場面，而是將隱藏於其中的不可見感官與知覺領域，以色面與結構的語言進行翻譯。這個主題歷經十多年透過多項作品顯露出來。2010年代初期，作家開始以在圓形畫框或木製家具上繪製人物與事物圖像的方式進行作業。《Hot Place》（2013）的圓形框架、《Time to leave》（2014）的長椅與桌子上放置的敘事性場面中，比起概念，對故事與物件的關注仍十分濃厚。在省去故事的過程中，作家接下來關注的不是物件上的敘事，而是承載該敘事的框架本身。自2017年前後起，畫面急劇收斂，調色盤縮減為藍色與無彩色。《Boundary》（2017）的菱形畫布、放置著浮動四角形的畫面，展現出開始將畫布本身的形態視為邊界問題來處理。長期處理平面繪畫，作家自然而然隨之產生了「繪畫的表面究竟能擴展到何處」的提問。若將邊界不視為固定的線而是流動的關係，便聯想到繪畫的表面亦能不被困在二維中，而是與周圍空間一同移動。這個構想在2020年將繪畫推出了畫布之外。《縫隙（在其中閃耀的事物）》（2020）的霓虹燈、《Beyond the times》（2020）中單色面板與瓷磚碎片倚靠在空間中。隨著光線與反射、移動、經過其前方觀展者的位置等條件湧入作品內部，繪畫轉變為每次皆產生不同反應的結構。觀看角度與姿勢、身體位置每次改變時印象都會有所不同，以及想將該變化本身攬入作為作業一部分的想法貫穿了這個時期。這更接近重新衡量繪畫所能擁有的包容廣度之嘗試。作家在2022年以後探索由小單位聚集組成一個整體的模組形式，並選擇了彩度高的色彩。如《收縮與膨脹》（2022）般沿著牆壁像緞帶般延伸，或是《Reassemblage》（2023）的幾何學碎片在網格（grid）上重複。在網格上重複的碎片所創造出的光之殘像與移動，將作家的關注點從結構本身轉移到了該結構所創造出的光之現象上。2024年，光脫去了隱喻，以直接的形式被繪製。《Flare & Highlight》（2024）的會聚白色三角形，以及實現了以馬達實際移動之畫布的近期作品《Sequence: Overlay》（2025），透過多元介質與構成實驗了繪畫表面究竟能擴展至何處。在這所有擴展的背後，反而座落著面向節制之態度。建築與音樂、城市的場面、當代的速度感等異質場面混雜於作業各處，但那些場面並未原封不動顯露於畫面之上。作業留下了單純且節制的色面抽象形式。在執行作業前先建立概念與結構的作家態度引導著這個過程。當內化且多層次的感官被壓縮為少數的顏色、面與結構時，這將如何傳達給觀看的人，這個提問是他停留在畫面面前最久之處。堆疊圖層的時間亦接近將該節制以身體熟練的修練。當色彩決定且毛筆開始移動時，在重複的行為中便能無雜念地停留在畫面上。在以均勻節奏延續筆觸期間，畫面內部將慢慢堆疊出色彩的深度與密度，以及曾指向的紋理。本次展覽是在這所有實驗之後，回歸到與站在牆面前的觀展者面對面之繪畫最古老條件。這場回歸將這期間堆疊的提問以最精練的形式展現。在新作中色彩顯著減少。黃色系列的作業接近開放與通過的感官。同時蘊含光線、信號與煥發的黃色，根據組合與配置不同而展現出不同的溫度與密度。在橘色系列中，該感官進一步被壓縮並以帶有物性的狀態出現。以溫暖且強烈的密度將畫面內部的緊張與結構展現得更為清晰。這些色彩是從日常中面對的感官、城市的表面、動搖的邊界，以及當代的節奏中汲取而來的。決定色彩並沒有一定的規則。只不過是在畫面內部無止境地反覆琢磨該色彩放置於其他色彩旁時會產生何種溫度、密度與緊張的時間。那個過程歸根結底與不將邊界規定為一個結論、不斷重新擴展的態度並無二致。再加上混合了珍珠與銀色的面，正面看起來像是一樣的色彩，稍微移動位置就會以不同的溫度襲來。多層畫布堆疊創造出的物理高低差亦是相同的邏輯。層次比起物理厚度，更是色彩與結構層層累積的方式，同時也是繪畫向空間延伸的另一個條件。展覽場的構成亦比先前更加節制。不同於以往透過鋁型材或馬達等裝置將作品從牆壁上分離並積極引入空間的展覽，這次選擇了畫布掛在牆上、觀展者站在正面的繪畫最傳統方式。然而這種單純並非空無一物。在有限的色彩與要素內，色面與線創造出的平衡與緊張反而被更敏感地調節著。作業提議從近處、側面，然後再次從遠處觀看。靠近的話，色面與色面相遇的高低差、浸透於表面的密度、根據光線方向翻轉的色彩印象便會映入眼簾。後退的話，那些個別的感官整合為一個結構與節奏的瞬間就會到來。畫面不在任何一個時點完結，而是根據觀展者的位置與移動持續變化。展覽結束後，這個臨時結構物將不留痕跡地解體。只不過長久以來在色彩與面之間敞開的感官，將以各自的方式持續下去。