Triển lãmMiễn phíĐang diễn ra

PAVILION

Name: PAVILION
Start: 2026-07-24
End: 2026-08-22
Location: Hori Art Space

Miễn phí · Jongno-gu Hori Art Space

Thời gian: 24 thg 7 ~ 22 thg 8
Địa điểm: Hori Art Space
Khu vực: Seoul Jongno-gu
Chi phí: Miễn phí
Liên hệ: 02-511-5482

Trang chính thức Chỉ đường

Giới thiệu sự kiện

Triển lãm cá nhân Song Ha-young SONG HAYOUNG SOLO EXHIBITION Từ ranh giới đến pavilion (From Boundary To Pavilion) Hãy tưởng tượng không gian triển lãm như một cấu trúc đơn lẻ, một cấu trúc tạm thời được dựng lên để tồn tại trong một khoảng thời gian nhất định mà không quyết định tường hay mái. Pavilion, một kiến trúc mang tính tạm thời nhưng chọn lấy mật độ của khoảnh khắc hiện tại này. Các tác phẩm mới lần này, đúng như nhà tạo mẫu Song Ha-young đề cập, "xuất phát từ cấu trúc mở nơi tính mô-đun, tính tạm thời, các lớp lang và trong-ngoài kết nối lẫn nhau mà pavilion sở hữu". Tác giả dường như muốn nói rằng hội họa cũng có thể tồn tại như vậy. Mong muốn của tác giả là thay vì đóng khung thành một kết luận cố định trong suốt thời gian diễn triển lãm, đây sẽ là nơi cảm giác và suy nghĩ của người xem chuyển động theo một cách khác biệt so với thông thường. Điều tạo nên cấu trúc mở đó chính là chủ đề mà cô đang liên tục khai thác: 'ranh giới' (boundary). Tác giả bắt gặp 'ranh giới' này không phải ở một địa điểm đặc biệt nào mà thường là trong lúc di chuyển, giống như việc ngồi ở ghế ngược chiều của tàu hỏa và đối mặt với phong cảnh đã vụt qua. Phong cảnh được ngắm nhìn với độ trễ thời gian sẽ mang lại cảm giác khác nhau tùy theo phương hướng và tốc độ. Bề mặt bên ngoài của tòa nhà, sự phản chiếu của cửa sổ kính, cấu trúc tạm thời của công trường xây dựng, những dấu vết của thời gian lưu lại trên bề mặt cũ cứ lướt qua như thế và lọt vào mắt. Đối với cô, những khoảnh khắc này không giống một phong cảnh cố định mà gần hơn với trạng thái thời gian và phương hướng, bề mặt và dấu vết, ánh sáng và sự phản chiếu chồng chéo lên nhau. Thứ cô bắt gặp ở đô thị không phải là một địa điểm hay khung cảnh cụ thể, mà chính là quá trình cảm giác xuất hiện, biến mất rồi lại lưu lại dấu vết bên trong đó. Ranh giới được bắt gặp như thế này chứa đựng nhiều biểu cảm khác nhau. Có những điểm phân chia rõ ràng như đường kẻ trên đường, góc của cấu trúc; nhưng cũng có những nơi chồng chéo dần dần như ánh sáng và bóng tối, hay thời điểm ranh giới và cuộc gặp gỡ diễn ra đồng thời như khoảnh khắc màu sắc biến đổi dần thành màu sắc khác. Nếu vế trước là ranh giới mang tính nhân tạo và trật tự của đô thị, thì vế sau là ranh giới mang tính lưu động và cảm giác mà tự nhiên vốn có. Trên bề mặt tranh, ranh giới này được dịch chuyển theo những cách khác nhau. Ranh giới rõ ràng được thể hiện bằng đường nét, ranh giới thẩm thấu là mặt và mặt đẩy kéo giao cắt nhau, và ở nơi ánh sáng tạm đọng lại hoặc ánh nhìn dừng lại trên đó được đặt những dấu chấm. Cuối cùng, trước khi là một vạch phân chia cái gì đó, ranh giới là điểm tiếp xúc nơi những thứ khác biệt đối mặt và thiết lập mối quan hệ - đó chính là cốt lõi dẫn dắt các tác phẩm của cô. Nếu không phân chia thì từ đầu đã chẳng có dịp gặp gỡ. Sự tách biệt không phải là sự thiếu hụt quan hệ, mà là tiền đề để quan hệ được hình thành. Điều cô chuyển lên bề mặt tranh không phải là phong cảnh ngay trước mắt tự nó, mà gần hơn với các tầng lớp tốc độ, khoảng cách, nhiệt độ và cảm xúc vốn ẩn giấu bên trong phong cảnh đó nhưng hiếm khi lộ diện. Thay vì chuyển tải nguyên vẹn khung cảnh có thể nhìn thấy bằng mắt, tác giả dịch chuyển các lĩnh vực cảm giác và nhận thức phi hình thức ẩn giấu bên trong thành ngôn ngữ của diện màu và cấu trúc. Chủ đề này đã lộ diện qua nhiều tác phẩm trong suốt hơn một thập kỷ. Đầu năm 2010, tác giả bắt đầu công việc bằng phương pháp vẽ hình ảnh nhân vật và đồ vật lên khung tròn hoặc đồ nội thất bằng gỗ. Khung tròn trong 《Hot Place》(2013), những khung cảnh tự sự đặt trên ghế băng và bàn trong 《Time to leave》(2014) vẫn còn đậm nét quan tâm đến câu chuyện và vật thể hơn là khái niệm. Trong quá trình lược bỏ câu chuyện, điều tiếp theo thu hút sự chú ý của tác giả không phải là tự sự trên vật thể, mà chính là khung bao chứa tự sự đó. Từ khoảng năm 2017, bề mặt tranh bỗng nhiên được tiết chế mạnh mẽ, bảng màu thu hẹp lại thành màu xanh lam và màu phi sắc. Canvas kim cương trong 《Boundary》(2017), bề mặt tranh đặt các hình chữ nhật lơ lửng cho thấy cô bắt đầu xử lý chính hình dạng của canvas như một vấn đề về ranh giới. Làm việc lâu năm với hội họa phẳng, câu hỏi tự nhiên gắn liền với tác giả là 'bề mặt của hội họa có thể mở rộng đến đâu?'. Nếu nhìn ranh giới không phải là đường thẳng cố định mà là mối quan hệ lưu động, suy nghĩ đã chạm đến điểm rằng bề mặt hội họa cũng không bị giam cầm trong 2 chiều mà có thể chuyển động cùng không gian xung quanh. Ý tưởng này đẩy hội họa ra khỏi canvas vào năm 2020. Ánh đèn neon trong 《Khoảng trống (Những thứ đang tỏa sáng giữa các khoảng hở)》(2020), và trong 《Beyond the times》(2020), các tấm đơn sắc và mảnh ngói đứng tựa vào không gian. Khi các điều kiện như ánh sáng và sự phản chiếu, chuyển động, vị trí của người xem đi qua phía trước chúng len lỏi vào tác phẩm, hội họa đã biến đổi thành một cấu trúc phản ứng khác nhau mỗi lần. Ý tưởng rằng ấn tượng thay đổi mỗi khi góc nhìn, tư thế, vị trí cơ thể thay đổi, và ôm lấy chính sự thay đổi đó làm một phần của tác phẩm là điều xuyên suốt giai đoạn này. Nó gần giống như một nỗ lực nhằm đo lường lại biên độ mà hội họa có thể bao hàm. Từ sau năm 2022, tác giả khám phá hình thức mô-đun nơi các đơn vị nhỏ tụ họp lại tạo thành một tổng thể và lựa chọn màu sắc có độ bão hòa cao. Giống như 《Sự co và giãn》(2022) chạy dọc theo bức tường như một dải ruy băng, các mảnh hình học trong 《Reassemblage》(2023) được lặp lại theo lưới. Dư ảnh ánh sáng và chuyển động được tạo ra bởi các mảnh ghép lặp lại trên lưới đã chuyển sự quan tâm của tác giả từ bản thân cấu trúc sang hiện tượng ánh sáng do cấu trúc đó tạo ra. Năm 2024, ánh sáng thoát khỏi phép ẩn dụ và được vẽ thành hình dạng trực tiếp. Qua các phương pháp và bố cục đa dạng cho đến tác phẩm gần đây 《Sequence: Overlay》(2025) - hiện thực hóa tam giác trắng hội tụ trong 《Flare & Highlight》(2024) và canvas thực sự chuyển động bằng động cơ, cô đã thử nghiệm bề mặt hội họa có thể mở rộng đến đâu. Ẩn sau mọi sự mở rộng này lại là thái độ hướng tới sự tiết chế. Những cảnh tượng dị biệt như kiến trúc, âm nhạc, cảnh quan đô thị, cảm giác tốc độ đương thời hòa trộn khắp nơi trong tác phẩm, nhưng những cảnh tượng đó không lộ diện nguyên vẹn trên bề mặt tranh. Tác phẩm đọng lại dưới hình thức trừu tượng diện màu đơn giản và tiết chế. Thái độ của tác giả muốn thiết lập khái niệm và cấu trúc trước khi thực hiện tác phẩm dẫn dắt quá trình này. Khi nhiều tầng cảm giác đã được thể chất hóa được nén lại thành một số ít màu sắc, diện màu và cấu trúc, điều đó sẽ được truyền tải đến người xem như thế nào, câu hỏi này là điểm tác giả lưu lại lâu nhất trước bề mặt tranh. Thời gian chồng các lớp cũng gần như sự tu luyện để cơ thể quen với sự tiết chế đó. Khi màu sắc được ấn định và nét cọ bắt đầu chuyển động, người ta sẽ lưu lại trên bề mặt tranh không chút tạp niệm trong hành động lặp đi lặp lại. Trong lúc tiếp tục những nhịp cọ đều đặn, độ sâu và mật độ của màu sắc cùng thớ hướng tới dần tích tụ bên trong bề mặt tranh. Sau tất cả những thử nghiệm này, triển lãm lần này là sự trở lại với điều kiện lâu đời nhất của hội họa đối mặt với người xem đứng trước bức tường. Sự quay trở lại này làm lộ ra những câu hỏi đã tích lũy bấy lâu theo hình thức được tinh chế nhất. Trong các tác phẩm mới, màu sắc đã giảm đi đáng kể. Các tác phẩm thiên về tông vàng gần gũi với cảm giác mở và thông qua. Màu vàng mang đồng thời ánh sáng, tín hiệu và sự thông gió, mang nhiệt độ và mật độ khác nhau tùy theo sự kết hợp và bố trí. Ở tông màu cam, cảm giác đó được nén lại ở mức độ cao hơn và xuất hiện ở trạng thái mang tính vật chất. Với nhiệt độ ấm áp và mật độ mạnh mẽ, nó làm nổi bật hơn sự căng thẳng và cấu trúc bên trong bức tranh. Những màu sắc này được kéo lên từ cảm giác đối mặt trong đời sống thường ngày, bề mặt đô thị, ranh giới lung lay và nhịp điệu của thời đại đương đại. Không có quy tắc cố định nào trong việc định hình màu sắc. Chỉ là có khoảng thời gian liên tục suy ngẫm lại bên trong bức tranh xem màu sắc đó tạo ra nhiệt độ, mật độ và sự căng thẳng nào khi được đặt cạnh màu khác. Quá trình đó cuối cùng không khác gì thái độ không quy định ranh giới thành một kết luận duy nhất mà liên tục mở rộng nó ra mới mẻ. Tại đây, khi các bề mặt pha trộn giữa ngọc trai (pearl) và bạc được cộng thêm vào, thứ thoạt nhìn trông giống như một màu duy nhất từ chính diện sẽ tiếp cận với nhiệt độ khác chỉ bằng cách dịch chuyển vị trí một chút. Độ chênh vật lý được tạo ra bởi sự chồng chất của nhiều lớp canvas cũng tuân theo logic tương tự. Các lớp không hẳn là độ dày vật lý mà là phương thức tích lũy chồng chất của màu sắc và cấu trúc, đồng thời là điều kiện khác để hội họa vươn về phía không gian. Bố cục của không gian triển lãm cũng được tiết chế hơn trước. Khác với các triển lãm trước đây tách tác phẩm khỏi bức tường bằng các thiết bị như profin nhôm hoặc động cơ để thu hút không gian một cách tích cực, lần này chọn phương thức truyền thống nhất của hội họa là canvas được treo lên tường và người xem đứng ở chính diện. Tuy nhiên, sự đơn giản này không hề trống rỗng. Sự cân bằng và căng thẳng được tạo ra bởi diện màu và đường nét trong các màu sắc và yếu tố giới hạn thậm chí còn được điều chỉnh tinh tế hơn. Tác phẩm đề xuất việc quan sát từ cự ly gần, từ bên cạnh và rồi lại từ xa. Khi đến gần, độ chênh nơi diện màu và diện màu gặp nhau, mật độ thấm vào bề mặt, ấn tượng màu sắc thay đổi theo hướng ánh sáng lọt vào mắt. Khi lùi lại, khoảnh khắc các cảm giác cá nhân đó hòa nhập thành một cấu trúc và nhịp điệu sẽ đến. Bề mặt tranh không kết thúc tại một thời điểm nào đó mà tiếp tục thay đổi tùy theo vị trí và chuyển động của người xem. Khi triển lãm kết thúc, cấu trúc tạm thời này sẽ được tháo dỡ không để lại dấu vết. Tuy nhiên, cảm giác từng được mở ra giữa màu sắc và diện màu trong một khoảng thời gian sẽ tiếp tục duy trì theo cách riêng của mỗi người.