นิทรรศการฟรีกำลังจัด

พาวิลเลียน

Name: พาวิลเลียน
Start: 2026-07-24
End: 2026-08-22
Location: โฮรีอาร์ตสเปซ

ฟรี · Jongno-gu โฮรีอาร์ตสเปซ

ช่วงเวลา: 24 ก.ค. ~ 22 ส.ค.
สถานที่: โฮรีอาร์ตสเปซ
ภูมิภาค: Seoul Jongno-gu
ค่าใช้จ่าย: ฟรี
ติดต่อ: 02-511-5482

เว็บไซต์ทางการ เส้นทาง

เกี่ยวกับกิจกรรม

นิทรรศการเดี่ยวของซงฮายอง SONG HAYOUNG SOLO EXHIBITION จากขอบเขตสู่พาวิลเลียน (From Boundary To Pavilion) จินตนาการถึงพื้นที่จัดแสดงนิทรรศการเสมือนโครงสร้างหนึ่ง เป็นโครงสร้างชั่วคราวที่สร้างขึ้นเพื่อให้มีอยู่ตามระยะเวลาที่กำหนดโดยยังไม่ได้กำหนดผนังหรือหลังคา พาวิลเลียน สถาปัตยกรรมชั่วคราวแต่เลือกความหนาแน่นของช่วงเวลานี้ ผลงานใหม่ชิ้นนี้เริ่มต้นจาก 'โครงสร้างแบบโมดูล ความชั่วคราว ชั้น และโครงสร้างแบบเปิดที่เชื่อมต่อด้านในและด้านนอกเข้าหากัน' ของพาวิลเลียน ตามที่ศิลปินซงฮายองได้กล่าวไว้ ศิลปินราวกับจะบอกว่าจิตรกรรมก็สามารถมีอยู่ได้ในลักษณะนั้นเช่นกัน ศิลปินมีความปรารถนาที่จะให้สถานที่จัดแสดงนิทรรศการไม่ได้แข็งตัวไปสู่ข้อสรุปที่กำหนดไว้ แต่เป็นสถานที่ที่ความรู้สึกและการคิดของผู้ชมเคลื่อนไหวในวิธีที่แตกต่างจากปกติ สิ่งที่สร้างโครงสร้างแบบเปิดนั้นคือ 'ขอบเขต (boundary)' ซึ่งเป็นหัวข้อที่เธอยังคงสำรวจอย่างต่อเนื่อง ศิลปินมักจะจับภาพ 'ขอบเขต' นี้ระหว่างการเดินทาง มากกว่าที่จะเป็นสถานที่พิเศษ ราวกับว่าเธอนั่งอยู่ที่นั่งหันหลังของรถไฟและเผชิญหน้ากับทิวทัศน์ที่ผ่านพ้นไปแล้ว ทิวทัศน์ที่จ้องมองด้วยความเหลื่อมล้ำของเวลาจะรู้สึกแตกต่างกันไปตามทิศทางและและความเร็ว ผนังด้านนอกของอาคาร, การสะท้อนของกระจก, โครงสร้างชั่วคราวของไซต์ก่อสร้าง, ร่องรอยของเวลาที่หลงเหลืออยู่บนพื้นผิวเก่า ผ่านเข้ามาในสายตาในลักษณะนั้น สำหรับเธอ ช่วงเวลาเหล่านี้ใกล้เคียงกับสถานะที่เวลาและทิศทาง, พื้นผิวและร่องรอย, แสงและการสะท้อนซ้อนทับกัน มากกว่าที่จะเป็นทิวทัศน์ที่หยุดนิ่ง สิ่งที่เธอจับภาพได้ในเมืองไม่ใช่สถานที่หรือฉากเฉพาะ แต่เป็นกระบวนการที่ความรู้สึกปรากฏขึ้น หายไป และหลงเหลือเป็นร่องรอยภายในนั้นเอง ขอบเขตที่จับภาพได้ในลักษณะนี้มีความหลากหลาย จุดที่มีการแบ่งแยกอย่างชัดเจน เช่น เส้นถนน มุมของโครงสร้าง และจุดที่การแบ่งแยกและการพบกันเกิดขึ้นพร้อมๆ กัน เช่น จุดที่แสงและเงาค่อยๆ ซ้อนทับกัน ช่วงเวลาที่สีเปลี่ยนเป็นสีอื่นทีละน้อย อดีตคือขอบเขตที่เป็นระเบียบและประดิษฐ์ขึ้นของเมือง ในขณะที่อย่างหลังคือขอบเขตที่มีความลื่นไหลและทางอารมณ์ของธรรมชาติ บนผืนผ้าใบ ขอบเขตเหล่านี้ได้รับการแปลความหมายในรูปแบบที่แตกต่างกัน ขอบเขตที่ชัดเจนถูกแสดงเป็นเส้น ขอบเขตที่ซึมซาบถูกแสดงด้วยระนาบที่ดึงและผลักกัน และจุดที่แสงส่องประกายชั่วครู่หรือสายตาหยุดลงจะถูกวางเป็นจุด ท้ายที่สุดแล้ว ขอบเขตไม่ใช่เส้นที่แบ่งบางสิ่งบางอย่าง แต่เป็นจุดสัมผัสที่สิ่งต่างๆ เผชิญหน้าและสร้างความสัมพันธ์ ซึ่งเป็นหัวใจสำคัญที่ชี้นำงานของเธอ หากไม่มีการแบ่งแยก ย่อมไม่มีโอกาสได้พบกันตั้งแต่แรก การแยกจากกันไม่ใช่การขาดความสัมพันธ์ แต่เป็นเงื่อนไขเบื้องต้นสำหรับการสร้างความสัมพันธ์ สิ่งที่เธอนำมาไว้บนผืนผ้าใบไม่ใช่ทิวทัศน์ตรงหน้า แต่ใกล้เคียงกับชั้นของความเร็ว ระยะทาง อุณหภูมิ และอารมณ์ที่ซ่อนอยู่ภายในทิวทัศน์นั้นแต่แทบจะไม่ปรากฏ ศิลปินไม่ได้คัดลอกฉากที่มองเห็นตามความเป็นจริง แต่แปลพื้นที่ความรู้สึกและการรับรู้ที่มองไม่เห็นซึ่งซ่อนอยู่ข้างในด้วยภาษาของระนาบสีและโครงสร้าง หัวข้อนี้ปรากฏผ่านผลงานหลายชิ้นในช่วงทศวรรษที่ผ่านมา ในช่วงต้นปี 2010 ศิลปินเริ่มทำงานด้วยวิธีการวาดภาพคนและสิ่งของลงบนกรอบรูปทรงกลมหรือเฟอร์นิเจอร์ไม้ เฟรมวงกลมของ 《Hot Place》 (2013), ฉากบรรยายบนม้าและโต๊ะของ 《Time to leave》 (2014) ยังคงมีความสนใจอย่างลึกซึ้งในเรื่องราวและวัตถุมากกว่าแนวคิด ในกระบวนการลดทอนเรื่องราว สิ่งที่ศิลปินมุ่งเน้นในลำดับถัดไปไม่ใช่เรื่องราวบนวัตถุ แต่เป็นกรอบที่บรรจุเรื่องราวเหล่านั้น ตั้งแต่ช่วงปี 2017 ผืนผ้าใบถูกย่อส่วนลงอย่างรวดเร็ว และจานสีถูกแคบลงเหลือเพียงสีฟ้าและสีไร้สี ผ้าใบรูปเพชรของ 《Boundary》 (2017) และผืนผ้าใบที่มีสี่เหลี่ยมลอยอยู่แสดงให้เห็นว่าเธอเริ่มจัดการกับปัญหาของรูปร่างของผ้าใบเองว่าเป็นปัญหาของขอบเขต การจัดการกับจิตรกรรมระนาบมาเป็นเวลานาน ทำให้เกิดคำถามตามธรรมชาติขึ้นสำหรับศิลปินว่า 'พื้นผิวของจิตรกรรมสามารถขยายออกไปได้มากแค่ไหน' หากมองขอบเขตไม่ใช่เส้นที่ตายตัวแต่เป็นความสัมพันธ์ที่ลื่นไหล ความคิดก็มาถึงจุดที่ว่าพื้นผิวของจิตรกรรมไม่จำเป็นต้องติดอยู่แค่ในสองมิติ แต่สามารถเคลื่อนไหวไปพร้อมกับพื้นที่รอบข้างได้ แนวคิดนี้นำจิตรกรรมออกนอกผ้าใบในปี 2020 ไฟนีออนของ 《Gaps (Things Shining Between)》 (2020) และแผงสีเดียวและเศษกระเบื้องของ 《Beyond the times》 (2020) เอนพิงอยู่กับพื้นที่ เงื่อนไขต่างๆ เช่น แสง การสะท้อน การเคลื่อนไหว และตำแหน่งของผู้ชมที่ผ่านไปมาถูกผลักเข้ามาในผลงาน ทำให้จิตรกรรมกลายเป็นโครงสร้างที่ตอบสนองแตกต่างกันไปในแต่ละครั้ง แนวคิดที่ว่าความประทับใจจะเปลี่ยนไปทุกครั้งที่มุมมอง ท่าทาง และตำแหน่งของร่างกายเปลี่ยนไป และความตั้งใจที่จะดึงการเปลี่ยนแปลงนั้นเข้ามาเป็นส่วนหนึ่งของงาน เป็นสิ่งที่ครอบคลุมช่วงเวลานี้ มันใกล้เคียงกับการพยายามประเมินความกว้างที่จิตรกรรมสามารถโอบอุ้มได้อีกครั้ง ตั้งแต่ปี 2022 ศิลปินได้สำรวจรูปแบบโมดูลที่หน่วยย่อยมารวมกันเป็นหนึ่งเดียว และเลือกใช้สีที่มีความอิ่มตัวสูง เช่นเดียวกับ 《Contraction and Expansion》 (2022) ที่เชื่อมต่อตามผนังราวกับริบบิ้น หรือรูปทรงเรขาคณิตของ 《Reassemblage》 (2023) ที่ทำซ้ำเป็นกริด ภาพสะท้อนของแสงและการเคลื่อนไหวที่สร้างขึ้นโดยชิ้นส่วนที่ซ้ำกันบนกริด ได้เปลี่ยนความสนใจของศิลปินจากตัวโครงสร้างไปสู่ปรากฏการณ์ของแสงที่โครงสร้างนั้นสร้างขึ้น ในปี 2024 แสงได้หลุดพ้นจากอุปมาอุปไมยและถูกวาดออกมาในรูปแบบที่ตรงไปตรงมา สามเหลี่ยมสีขาวที่รวมตัวกันของ 《Flare & Highlight》 (2024) และผลงานล่าสุด 《Sequence: Overlay》 (2025) ที่สร้างผ้าใบที่เคลื่อนไหวได้จริงด้วยมอเตอร์ ได้ทำการทดลองว่าพื้นผิวของจิตรกรรมสามารถขยายไปได้ไกลแค่ไหนผ่านสื่อและองค์ประกอบที่หลากหลาย เบื้องหลังการขยายตัวทั้งหมดนี้ กลับเป็นทัศนคติที่มุ่งเน้นความเรียบง่าย แม้ว่าฉากที่แตกต่างกัน เช่น สถาปัตยกรรม ดนตรี ฉากในเมือง และความรู้สึกถึงความเร็วร่วมสมัยจะผสมผสานกันอยู่ทั่วทั้งผลงาน แต่ฉากเหล่านั้นไม่ได้ปรากฏบนผืนผ้าใบอย่างตรงไปตรงมา ผลงานยังคงเหลืออยู่ในรูปแบบของการวาดภาพนามธรรมระนาบสีที่เรียบง่ายและสงบ ทัศนคติของศิลปินที่ต้องการสร้างแนวคิดและโครงสร้างขึ้นมาก่อนการปฏิบัติงานเป็นตัวชี้นำกระบวนการนี้ เมื่อความรู้สึกที่สะสมไว้หลายชั้นถูกบีบอัดลงเหลือเพียงสี ระนาบ และโครงสร้างจำนวนน้อย วิธีที่จะสื่อสารสิ่งนั้นไปยังผู้ชมคือจุดที่ศิลปินใช้เวลาอยู่หน้าผืนผ้าใบยาวนานที่สุด เวลาในการสะสมเลเยอร์ก็ใกล้เคียงกับการปฏิบัติที่เรียนรู้ความเรียบง่ายนั้นด้วยร่างกาย เมื่อกำหนดสีและพู่กันเริ่มเคลื่อนไหว เธอก็อยู่ในผืนผ้าใบโดยปราศจากความคิดฟุ้งซ่านท่ามกลางการกระทำที่ทำซ้ำๆ ในระหว่างที่แปรงพู่กันไปตามจังหวะที่สม่ำเสมอ ความลึกและความหนาแน่นของสี และเนื้อสัมผัสที่มุ่งหวังจะค่อยๆ สะสมอยู่ภายในผืนผ้าใบ นิทรรศการครั้งนี้เป็นการกลับคืนสู่เงื่อนไขที่เก่าแก่ที่สุดของจิตรกรรมที่เผชิญหน้ากับผู้ชมที่ยืนอยู่หน้าผนังหลังจากการทดลองทั้งหมดนี้ การหวนคืนนี้เปิดเผยคำถามที่สะสมมาจนถึงตอนนี้ในรูปแบบที่ผ่านการกลั่นกรองมากที่สุด ในผลงานใหม่ สีลดลงอย่างเห็นได้ชัด ผลงานในกลุ่มสีเหลืองใกล้เคียงกับความรู้สึกของการเปิดและการผ่าน สีเหลืองที่มีแสง สัญญาณ และการระบายอากาศในเวลาเดียวกันจะแตกต่างกันไปตามอุณหภูมิและความหนาแน่นของการรวมและการจัดวาง ในกลุ่มสีส้ม ความรู้สึกนั้นจะถูกบีบอัดและปรากฏในสถานะที่มีความเป็นวัตถุ ด้วยความอบอุ่นแต่มีความหนาแน่นสูง มันเผยให้เห็นความตึงเครียดและโครงสร้างภายในผืนผ้าใบให้ชัดเจนยิ่งขึ้น สีเหล่านี้ถูกดึงมาจากความรู้สึกที่พบเจอในชีวิตประจำวัน พื้นผิวของเมือง ขอบเขตที่สั่นคลอน และจังหวะร่วมสมัย ไม่มีกฎเกณฑ์ตายตัวในการเลือกสี เพียงแต่มีเวลาที่จะคิดทบทวนไม่รู้จบภายในผืนผ้าใบว่าเมื่อสีนั้นถูกวางไว้ข้างสีอื่น จะเกิดอุณหภูมิ ความหนาแน่น และความตึงเครียดแบบใดขึ้น กระบวนการนั้นไม่ต่างจากทัศนคติที่พยายามขยายขอบเขตใหม่อย่างต่อเนื่องโดยไม่จำกัดขอบเขตให้เป็นข้อสรุปเดียว เมื่อเพิ่มระนาบที่ผสมด้วยมุกและสีเงิน สิ่งที่ดูเหมือนสีเดียวจากด้านหน้าจะเข้าใกล้ด้วยอุณหภูมิที่แตกต่างกันหากย้ายตำแหน่งเพียงเล็กน้อย ความต่างระดับทางกายภาพที่สร้างขึ้นจากการซ้อนทับของผ้าใบหลายชั้นก็ใช้ตรรกะเดียวกัน ชั้นไม่ใช่ความหนาทางกายภาพ แต่เป็นวิธีการที่สีและโครงสร้างสะสมทับถมกัน และในขณะเดียวกันก็เป็นเงื่อนไขอีกประการหนึ่งที่จิตรกรรมแผ่ขยายออกไปทางพื้นที่ องค์ประกอบของพื้นที่จัดแสดงนิทรรศการก็ถูกควบคุมมากกว่าเดิม ต่างจากนิทรรศการก่อนหน้านี้ที่แยกผลงานออกจากผนังและดึงพื้นที่เข้ามาอย่างแข็งขันด้วยอุปกรณ์ต่างๆ เช่น โปรไฟล์อะลูมิเนียมหรือมอเตอร์ ในครั้งนี้ได้เลือกวิธีดั้งเดิมที่สุดของจิตรกรรมที่แขวนผ้าใบไว้บนผนังและให้ผู้ชมยืนอยู่ด้านหน้า อย่างไรก็ตาม ความเรียบง่ายนี้ไม่ได้ว่างเปล่า ภายในสีและองค์ประกอบที่จำกัด ความสมดุลและความตึงเครียดที่สร้างขึ้นโดยระนาบสีและเส้นกลับได้รับการปรับแต่งอย่างละเอียดอ่อนยิ่งขึ้น ผลงานชวนให้มองจากระยะใกล้ ด้านข้าง และจากระยะไกลอีกครั้ง เมื่อเข้าใกล้ จะเห็นความต่างระดับที่ระนาบสีพบกับระนาบสี ความหนาแน่นที่ซึมซาบอยู่บนพื้นผิว และความประทับใจของสีที่พลิกผันไปตามทิศทางของแสง เมื่อถอยหลังออกมา ช่วงเวลาที่ความรู้สึกเฉพาะตัวเหล่านั้นรวมเข้าด้วยกันเป็นโครงสร้างและจังหวะเดียวก็จะมาถึง ผืนผ้าใบไม่ได้สมบูรณ์ที่จุดใดจุดหนึ่ง แต่เปลี่ยนแปลงไปเรื่อยๆ ตามตำแหน่งและการเคลื่อนไหวของผู้ชม เมื่อนิทรรศการสิ้นสุดลง โครงสร้างชั่วคราวนี้นก็จะถูกรื้อถอนไปโดยไม่มีร่องรอย เหลือไว้เพียงความรู้สึกที่เปิดกว้างอยู่ระหว่างสีและระนาบที่จะดำเนินต่อไปในแบบของตนเอง